钢琴曲的分类类别

钢琴曲的分类类别

　　钢琴曲是指为钢琴而作或为钢琴而改编的作品。有时还配以其它的乐器同时演奏。以下是小编为大家整理的钢琴曲的分类类别，希望对大家有所帮助。

　　钢琴曲的分类类别【1】

　　前奏曲

　　小型器乐曲。

　　17世纪前，前奏曲是指在声乐曲前用古钢琴伴奏的一个引子。

　　17世纪初前奏曲成为独立的小型乐曲，但还安排在其他乐曲之前，保留着起引子的作 用。

　　]8世纪的前奏曲才真正成为一个独立的带有即兴性质的小型器乐曲，其中以钢琴曲居多。

　　肖邦在大小二十四个调上写了24首各自独立的钢琴小品——《前奏 曲》，比较著名。

　　不少作曲家常把一些情绪、风格较一致而结构上各自独立的短小器乐作品取名前奏曲。

　　协奏曲

　　原名“竞奏曲”，一种独奏乐器和乐队协同演出的技术艰深的大型乐曲，其形式、结构为莫扎特所确立。

　　协奏曲通常分三个乐章：第一乐章用奏鸣曲式，富有戏剧 性;第二乐章大多为抒情性的慢板，富于歌唱性;第三乐章常用回旋曲或奏鸣曲式;二、三章中有时也插人较短的华彩段：亦有单乐章的协奏曲始于李斯特的两首钢 琴协奏曲。

　　还有为两三种独奏乐器而写的协奏曲，如贝多芬的钢琴、小提琴、大提琴协奏曲。

　　此外，尚有结合人声与乐队而写的协奏曲，如格里爱尔的声乐协奏曲。

　　奏鸣曲

　　奏鸣曲16世纪至17世纪泛指一切器乐曲。

　　17世纪后，奏鸣曲则指类似采用古奏鸣曲式的乐曲。

　　18世纪起奏鸣曲指一种由三、四个各具特色的乐章组成的器乐 独奏曲，如钢琴奏鸣曲等。

　　也包括独奏乐器与钢琴伴奏的器乐曲，如小提琴奏鸣曲等。

　　白海顿、莫扎特以后奏鸣曲一般由三四个乐章组成，各乐章的基本特点与形式 如下：第一乐章贯用奏鸣曲式的快板，第二乐章为慢板，用奏鸣曲式，三段式或变奏曲式：第三乐章(有时略去)为小步舞曲或诙谐曲，第四乐章为快板或急板，用 奏鸣曲式或回旋曲式、也有用变奏曲式。

　　海顿、莫扎特、贝多芬乃至舒伯特的钢琴奏鸣曲在世界钢琴文献中具有永恒的价值。

　　叙事曲

　　叙事诗是欧洲12、13世纪一种抒情的叙事的，通常具有民间传奇风格的文学作品的诗歌片段。

　　19世纪起，人们把叙事诗作为歌词，谱写成有钢琴伴奏的独唱曲 称“叙事曲”。

　　如舒伯特的《魔王》，肖邦最早创作的4首钢琴叙事曲，此后，李斯特、勃拉姆斯等亦采用此体裁，内容常富有叙事性，戏剧性，有的取材于文学作 品或民间传说。

　　波洛涅兹

　　名称取法语的音译，也叫波兰舞曲，原属宫廷舞曲。

　　]8世纪起成为独立的器乐曲，在钢琴作曲家肖邦的创作中，波洛涅兹已成为具有世界意义的艺术作品。

　　结构属复三段式，气氛威严，常结束在第三拍上。

　　随想曲

　　指西洋17、18世纪时用模仿对位写成的键盘乐曲。

　　实即一种结构较自由的赋格，与当时的幻想曲相似。

　　常指一种富于幻想的即兴性器乐曲，如门德尔松、勃拉姆斯的钢琴随想曲。

　　某些随想曲(如柴可夫斯基的《意大利随想曲》)与幻想曲并无严格区别。

　　狂想曲

　　一种技术艰深并带有幻想性质的器乐曲。

　　大多数的狂想曲，以缓慢的民间歌曲曲凋为基础，经过变奏和主题发展的手法，与快速突进的民间舞曲相交错，造成最高潮 后结束全曲，多数狂想曲属钢琴独奏曲，如李斯特的《匈牙利狂想曲》19首，就是始于19世纪后的一种史诗性器乐曲。

　　前15首属一组、后4首属一组。

　　但每首 个性又有不同。

　　创意曲

　　一种复调结构的钢琴小品。

　　类似前奏曲或小赋格曲，德国作曲家巴赫始用此名称，并作有二声部和三声部的《创意曲》各15首，在许多国家被广泛地采用为钢琴教 材。

　　巴赫在三部创意曲中运用了模仿、卡农、二重对位甚至近似赋格的多种写作技法，主题和对题包含的不同材料并具有不同的音乐性质，它们在不同的声部出现和 发展，造成乐句纵横起伏及各自独立的节奏特征。

　　诙谐曲

　　也称谐谑曲。

　　一种节奏活泼、速度较快的三拍子的器乐曲。

　　一般都用复三段体，自贝多芬起，将诙谐曲加人奏鸣曲、交响曲和四重奏曲等套曲内，替代小步舞曲而成 为第三乐章。

　　自19世纪肖邦的三首钢琴诙谐曲又以独立作品的器乐曲，其篇幅、结构更为庞大，段落间的对比也更为强烈。

　　玛祖卡

　　18世纪波兰舞曲之一。

　　以后逐渐流行于欧洲各地。

　　具有非常明显的节奏，三拍子、重音町落在小节的任何一拍，终止和弦常结束在第二拍。

　　情绪热烈，速度自中速 至急速均可。

　　19世纪玛祖卡舞曲在许多国家极为流行，并作为正式舞会舞曲以及音乐会演奏用的艺术作品。

　　波兰钢琴作曲家肖邦曾为此体裁写有52首《玛祖卡》 钢琴独奏曲。

　　夜曲

　　一种流行于19世纪三段体的器乐曲，这一曲式由爱尔兰作曲家菲尔德创造，它形式自由、格凋高雅，充满浪漫色彩的乐器短曲，通常以钢琴居多，偶尔也有合奏曲 或声乐曲。

　　它的第一、三段缓慢或中等速度，旋律平静、抒情、梦想般地且具有沉思的情调;第二段转激动，富有幻想性、热情奔放，速度较快。

　　钢琴诗人肖邦写有 19首由钢琴演奏的《夜曲》，用交响性的手法，发展各种音乐，使小型体裁的夜曲，具有深刻的心理内容，使夜曲提高到高度的艺术水平。

　　它和小夜曲不能苟同。

　　即兴曲

　　带有即兴创作性质的抒情器乐曲。

　　结构完整、形式简洁，曲调细腻动听，充满深刻动人的抒情性是即兴曲的特点。

　　即兴曲大多为钢琴独奏曲的名称，最早由舒伯特和肖邦创用。

　　近代音乐史中许多钢琴家、作曲家都是钢琴即兴演奏的佼佼者。

　　圆舞曲

　　圆舞曲又名华尔滋，也是一种三拍子的舞曲。

　　起源于奥地利的一种民间舞蹈。

　　起初流行于维也纳的舞会上，19世纪风行欧洲。

　　以斯特劳斯佳作《蓝色多瑙河》最为 著名。

　　它有快步和慢步两种。

　　与同样也是三拍子的玛祖卡不同，它的重音一般都落在小节的第一拍上。

　　也与同样是三拍子的小步舞曲不同。

　　圆舞曲的特点是节奏鲜 明，旋律流畅，不像小步舞曲那么温文尔雅。

　　不过必须明确，音乐不是数理，不是逻辑，这种区别只是就一般情况而言，并非是绝对的。

　　钢琴音乐作品发展的历史【2】

　　在浩如烟海的音乐作品中，钢琴音乐艺术的佳作占据了音乐艺术宝库相当大的空间，钢琴音乐艺术的发展贯穿整个近代音乐艺术发展的历史，近代钢琴音乐史从时间到内容主要从以下几方面划分：

　　巴洛克音乐时期(1600年-1750年)。

　　以巴赫、亨德尔、斯卡拉蒂为代表创作的古典钢琴音乐，是钢琴音乐创作和演奏的开端。

　　其中，巴赫的音乐作品包括 钢琴作品被喻为“大海”，这些作品成为演奏家们发挥灵感永不枯竭的源泉。

　　巴赫钢琴音乐的复凋性、装饰性、断连性、即兴性、歌唱性是学习键盘音乐所必须解决 的课题。

　　他的十二平均律曲集，被称为钢琴音乐的“旧约全书”。

　　古典主义音乐(Classism或Classicmusic)，其含义有如下几种说法：

　　1.泛指从18世纪初的巴赫、亨德尔起，至18世纪末的格鲁克、海顿、莫扎特、贝多芬等音乐家的创作。

　　这一时期作曲家的音乐作品，虽然各具自己的风格，但 其共同处是：音乐语言平易朴素、音乐思维通过极严格的结构形式进行表达。

　　这种古典音乐主要反映了18世纪西欧封建社会日趋没落、资本主义经济迅速发展时 期，第三等级被压迫阶层的进步思潮，尤其是指哲学上的启蒙精神和人道主义思想。

　　2.指18世纪下半叶至19世纪初形成了维也纳的一种乐派，即“维也纳古典乐派”，以海顿、莫扎特、贝多芬为其突出的代表。

　　他们在创作技法上，继承欧洲传 统的复调与主调音乐的成就，并确立了近代奏鸣套曲曲式结构及交响曲、协奏曲、各类室内乐(尤其是弦乐四重奏)等器乐体裁.对近代两洋音乐的发展有深远影 响。

　　3.泛指17、18、19世纪中古典、浪漫、民族各乐派大师们的典范作品。

　　这种“古典音乐”是指一切具有进步思想、高度的艺术表现力和完善艺术形式的音乐。

　　“古典”这一名词在这里则包含着作品在艺术上的成熟性、思想的深刻性、生活现实的真实性这些概念的总和。

　　浪漫主义音乐(Romanticalmusic)。

　　音乐流派之一，亦称“浪漫乐派”或“浪漫派音乐”。

　　一般指18世纪末到19世纪初发始于德国和奥地利，后又波及整个欧洲各国的一种音乐新风格，这种新的风 格同时在其他文艺领域也有所反映，其内容大多表现了理想与现实之间的深刻矛盾，并通过生与死、孤独与爱情、热爱大自然等抒情题材，表达出知识分子阶层对现 实生活的不满，对未来、自由、幸福的向往和渴求。

　　浪漫派的音乐家一般偏重于幻想性的题材与着重抒发主观的内心感受，因而抒情性的形象在其作品中占主要地 位;在艺术手法上.他们突破古典乐派某些形式结构的限制，使音乐创作得到新的进展。

　　主要代表作曲家有：舒伯特、韦伯、霍夫曼、肖邦、门德尔松、舒曼、柏辽 兹及李斯特等等。

　　印象主义至20世纪音乐。

　　19世纪末20世纪初以来，钢琴音乐出现了流派众多、主义纷繁的局面。

　　主要有德彪西、拉威尔的印象主义，亨德密特的新古典主义，拉赫玛尼诺夫的晚期浪漫主义，勋伯格的十二音体系以及“前卫”派的钢琴音乐等等。

　　钢琴音乐在探索新颖独创的音乐语言，寻求丰富多彩的“色彩性”效果，刻画生动的自然景物，造成朦胧幽静的意象世界，捕捉光与色的瞬间感受，进一步扩大钢琴的表现性能等方面作了尝试，取得了令人瞩目的成就。

　　需要指出的是：印象主义的钢琴音乐在题材、调式、和声、织体音响、曲式等音乐基本构成的一切方面，创造性地进行深刻的变革，并成为通向20世纪音乐发展之 路的一个过渡桥梁。

　　这时期的德彪西运用平行和弦、声音层次的修饰，特殊的踏板和调性的转换等手段，发展创造了独具特性的钢琴风格。

　　20世纪钢琴作曲家的中心人物是巴托克，他的《十四首小品曲》和《粗犷的快板》突出了钢琴的“敲击性”特点。

　　他从1926-1937年，陆续出版了6卷 纠、宇宙》，共153首小品曲。

　　第二次世界大战后，产生了序列音乐与电子音乐等先锋派音乐，其代表作家有梅西昂、布莱兹和施拖克豪森等。

　　我国的钢琴音乐创作虽然起步晚，但也取得了很大的成绩。

　　“五四”运动以来，一些专业音乐家就汲取西洋音乐之精华，创作出不少具有我国民族风格的钢琴曲。

　　新 中国成立后，中国作曲家创作出了大量的钢琴作品。

　　具有代表性的作品有丁善德的纠L童组曲》、《民歌主题变奏曲》，陈培勋的《卖杂货》、《思春》、《双飞蝴 蝶》，朱践耳的《流水》，刘庄的《变奏曲》、《三六》，汪立三的《兰花花》、《山魁夷画意》，刘诗昆，潘一鸣、孙亦林的《青年钢琴协奏曲》，殷承宗、储望 华的《黄河协奏曲》，杜鸣心的《序曲》、《红色娘子军组曲》(舞曲改编)，以及桑桐的《东蒙民歌小曲七首》，蒋祖馨的《庙会》，周广仁的《陕北民歌主题变 奏》等，我国钢琴音乐的创作曲目增多，体裁形式多样，并较多地借鉴了西洋古典主义、浪漫主义的一些手法、近年来，一些优秀的钢琴音乐作品不断问世，展现出 我国作曲家在音乐艺术方面勇于探索、开拓和善于革新的创造和求实精神。

　　钢琴调音的方法【3】

　　1.钢琴的律制

　　钢琴是按十二平均律调音的，在钢琴的整个音域中，每一个八度都分成十二个均等的半音，每个半音之间的振动数比值都相等，所以十二平均律也叫“等比律”。

　　如果用音分说明的话，每个八度为]200音分，每个半音为100音分，所有的八度及半音都是相同的。

　　调钢琴的音时，不仅应该把八度都调准，而且必须把半音的 间隔都调整到符合12平均律。

　　2.音准的听辨

　　调钢琴的音律，主要依靠听觉，听什么呢?概括地来说，就是听拍音和音程。

　　拍音是两个振幅大体相同、频率相近的音波合成后，其合成音波的振幅会发生周期性的强弱变化，这种现象就叫做拍，它所发出的声音就叫拍音。

　　比如：两根琴 弦中，有一根弦每秒钟振动440次，另一根弦每秒钟振动436次，这两根弦同时发音时，每秒钟就会出现4个拍音(即440-436=4)。

　　钢琴调律常用的音程是同度、八度、四度和五度。

　　我们不但应该从理论上懂得这几种音程的特征，而且还应从听觉上掌握其音响特点。

　　也就是说，我们调音用的耳朵 不是音乐的耳朵，而是物理的耳朵，调音是靠听拍音来判断音程是否准确。

　　一般来讲，听同度、八度比较容易，而听四度和五度就比较难了。

　　在上述这些音程关系中拍音是怎样表现的呢?

　　同度：同度完全调准时没有拍音，因为同音组的两根或三根弦的频率完全相等。

　　但是如果同音弦组中某根弦振动的频率与其它弦振动的频率不一致时，就会出现拍音。

　　调同度时，必须完全消除拍音。

　　八度：八度是同度的转位，八度中低的一个音的第二谐音与高一个音的第一谐音(基音)音高相同，所以八度调准了也没有拍音。

　　五度：根据十二平均律的特点，凡是纯五度都应调得窄一点。

　　根据律学原理，五度相生率和纯率的纯五度的频率比为2：3。

　　例如：a的频率为220次/秒，它的 上方五度音e’频率就是220x3/2=330次/秒，而十二平均律的e：频率却是329.63次/秒，就是说平均律的纯五度音程比纯律和五度相生律的纯 五度稍窄一点。

　　在立式钢琴的调律手法上，要尽量注意扳子使用的位置和角度。

　　调律扳子最好呈放在弦轴上方45°的范围内，并严禁卡、压、砸弦轴。

　　有些调律专家倡导用左手调律就是为了减少对弦轴板的损害和过早地出现弦轴松动，使钢琴的音准和使用寿命得以延长。

　　拓展：练习钢琴的实用技巧

　　一、保证练琴时间、练琴要勤于思、慢速练习。分手练习、难点练习、读谱和背谱训练。

　　二、我们必须了解技巧真正的涵义，我们才能避免不正确的练习方法。更重要的是，正确的认知，可以让我们发展出绝佳的练习方法。最常见的误解是：技巧，就是手指灵活的天赋。事实上非如此！技巧纯熟的钢琴家与一般浮生大众，两者天生的手指灵活度其实没有太大差异。

　　也就是说，任何人都能弹好钢琴。有许多例子显示，既使是心智障碍的人，仍能展现绝佳的音乐才能。不幸的是，我们这些有著更灵巧双手的人，在音乐路上却走得颠簸不堪，这是因为我们缺乏一些基本、却关键的资讯。获得技巧，是脑与神经的发展过程，而不是手指肌肉的运动与力道的训练。技巧是能弹奏无数钢琴乐句的能力，因此它不是单纯的手指灵活，而是许多技能的总合。获得技巧的课题，简而言之，就是解决如何在短时间内学会这么多种不同的技能。

　　令人惊讶的是，通过正确的练习方法，钢琴技巧确实可以在短时间内获得，这也是本书的重点所在。这些技巧是通过两个阶段来完成：

　　（1）先找出手指，手掌，手臂等等，如何运作。

　　（2）运用肌肉、神经的控制来轻易地执行这些动作。第二阶段是着重在「控制」，而不是力道与耐力。许多学生认为，钢琴练习就是数小时的手指体操练习，因为他们从未被告知技巧的真正定义。事实上，当你在学习钢琴时，你是在发展你的大脑；获取技巧，是发展更快速的身经连结过程，产生更多能控制手指动作及记忆的脑细胞，及「说音乐语言」。事实上，你是在使自己变的更聪明，让自己的记忆力更好，这也是为何学钢琴有这么多益处，例如增加抗压性及记性。这也是为何，背谱与技巧是密不可分的。

　　上述的定义告诉我们，一旦你学了一个曲子或技巧，例如音阶，一再重复的练习不能增进你的技巧，只是浪费时间。我们必需了解自己，并发现与获取正确的技巧。对一般大众而言，这似乎是不可能的任务，除非从孩提时，就决定投入一辈子的时间达成。纵使如此，很多人还是不能成功。为甚么需要花一辈子的时间？是因为缺乏适当的指引。钢琴家们必须自己不断尝试摸索正确的动作。

　　例如，当你在练习一段非常困难的曲子，你的手意外找到一个可以弹奏的动作，这种可能性很低。如果你运气不好的话，你永远找不到正确的动作，而卡在那里，这种现象称为「速度障碍」。绝大多数的初学者，对于手指、手，以及手臂的复杂动作没有概念。很幸运地，过往的天才们已经发现许多有效的练习方法，否则他们不可能成为如此成功的演奏家。

　　另一个关于技巧的误解是：一旦你的手指达到某个技巧程度，你就能弹奏任何作品。任何新的曲目都是挑战，它们都需要重新学习。钢琴家们似乎能弹奏任何东西，是因为：

　　（1）你知道的曲子他们几乎都弹过；

　　（2）他们知道如何快速的去学习一首新曲子。因此，乍看之下，获得技巧是令人怯步的工作，因为钢琴曲目几乎是无止尽的——我们怎么可能全部都学会呢？这个问题大部分已经被解决了：我们可以将曲子做不同的分类，例如音阶，这是常常出现的，如果你知道如何弹奏音阶，你已经涵盖了很多曲子的部分。但更重要的是，解决不同的问题，需要不同的方法——这些方法是本书最主要的课题。

　　我们将讨论一些重要的方法，它们是一些学习的诀窍，能让你以一个通用步骤，来获得绝大多数曲子中的困难技巧。这些诀窍，是让你以最快的速度，找到弹奏困难曲子时，手、手指、手臂等应该有的动作。有两个原因你需要自己去找出这些动作：首先，因为有太多不同的曲子，弹奏他们的方法不可能一一在此列出。再则，每个人的需求都是不同的，本书中的规则只是一个起点，让每个人据此去找到个人适合的方法。确实了解本书的内容，不仅能立即增加学习速度，并且能随著技巧的累积增加，使学习速度加速累进。这种加速的程度，会决定你何时能成为一个钢琴家。

　　三、钢琴是一种非常具有灵性的乐器，你怎样对它，他便怎样待你，你用什么洋的方法去演奏它，它便用什么样的声音来回报你。正如匈牙利钢琴教育家约瑟夫。迦特所说：“钢琴对那些善于对待他的人来说，是一种奇妙的乐器。”目前我国从事钢琴教学的人越来越多，学琴也渐渐成为一种较普遍的事情。钢琴教育事业正蓬勃向上地 发展着，并取得了可喜的成绩。然而任何事业的发展都是在不断克服自身不足改善种种不良倾向的过程中完善的。本文就学生在哈农练指法的练习中出现的一些不良现象作一点分析，并与大家共同探讨。 哈农在这本60首练习曲的第一条前只写下了“高高地并正确地抬起手指，每个音都要弹的很清楚”这样一句话，至于怎样高高地抬起手指，用什么力量来把音弹得清楚没有更细致明细的解释，只能让读者积极地参悟。

　　目前，不少学生在练习时，不能掌握其正确的动作要领，不明确钢琴演奏的动力来源，以致使钢琴发出的声音不圆润饱满，缺乏表现力，这这样的练习，不仅不能对其演奏有所帮助，反而使学生在错误的演奏中养成的习惯越来越顽固，影响学生将来的发展。其主要表现为：一是前臂及手掌上下颠波动作太多，有些学生甚至一音一个上下动作。练习者把上下颠波动作作为钢琴演奏的动力来源。这样奏出的声音失真，音头太重，甚至嘶哑，就象竖笛演奏者超吹时的刺耳音响，或象小提琴演奏者把琴弓过分用力地压向琴弦发出的嘶哑声，这样的演奏远远达不到一定快的速度，甚至还会使演奏者为追求速度而导致大臂及前臂肌肉痉挛，更甚者会使一些学生终生不能再演奏钢琴。

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